艺术名家

陈世英，出生于1956年，16岁起从事雕刻创作，作品涵盖珠宝、雕塑与雕刻，现居于香港。他说，“其大无外，其小无内”，这种古老的智慧在创作过程中产生了深刻的共鸣，引导他在微小事物中探索无限，在大型雕塑中传达创造力。

在上海，艺术家汤宁容在宝龙艺术中心呈现了“听见花开”画展；摄影家逄小威在海派艺术馆以一组照片再现上海名人的瞬间；一位机车维修技师吴阳徳，在美术馆举办了“污机司的奇幻世界——破界艺术展”。

处于新的发展时期，中央美术学院美术馆将通过哪几方面的工作，延续其自身特色，持续升级美术馆影响力，同时回应新时代赋予的命题？如何持续深化美术馆核心的公教美育功能，引领其身为国家级美术馆的示范性意义？此外，外界可以怀抱哪些期待，关注未来中央美术学院美术馆的发展动向？作为美术馆新一任领头人，中央美术学院美术馆靳军馆长将在本次专访中展望美术馆面临机遇与挑战之际未来的工作方向与核心目标。

约瑟夫·科佩，一个1859年在维也纳诞生的匈牙利画家，以其精湛的人物肖像画而闻名于世。尽管他最初接受过建筑师的培训，但他很快便发现自己对绘画的热情远超于此。1884年，他成为慕尼黑的一名学生，师从H. Makart和H. Canon，这两位导师无疑对他的艺术发展产生了深远影响。

油画家刘克敏（1938年-2022年）生前为同济大学建筑与城市规划学院教授，2022年4月29日，因病辞世。刘克敏先生是中国第三代油画家群像中的一员，也是上海油画创作代表性画家之一，他与同时期画家们一同贴合着历史的节奏创造属于那个年代的理想，他的独特之处在于孕育其艺术生命的源头之母在北京，而让他艺术之梦完美实现的则是在上海。谨以此文纪念白衣飘飘的年代。

意大利艺术家乔瓦尼·安塞尔莫（Giovanni Anselmo，1934年生于伊夫雷亚自由镇，2023年卒于都灵）在20世纪60年代开始了自己的职业生涯。1965年的一个清晨，在斯特龙博利（Stromboli）火山顶的特殊经历给他带来了重大启发，这从根本上影响了其创作。当太阳的曙光刚刚露出地平线，将阴影投射在浩瀚的天空时，艺术家意识到自己是无限和不断变化的宇宙中不可分割的一部分。从那时起，安塞尔莫便开始关注自然现象的秩序和循环过程，能量、空间、时间、方位、磁场或引力成为其创作中反复出现的主题。安塞尔莫利用现有材料创作的作品，积极而敏锐地呈现了我们周围的潜在能量，以及控制宇宙动态的不相称的本质。他的作品位于可见与不可见之间的迷人边界。

匈牙利艺术家维拉·莫纳尔（Vera Molnár，1924-2023）以形状心理学和视觉规律为支撑，在1947年左右以建构主义方法论设计的作品对透视艺术进行了质疑。作为一位电子控制学家和计算机科学家，莫纳尔在20世纪60年代建立了她所谓的“假想机器”（imaginary machine），之后（1968年）成为法国第一位使用连接绘图仪创作计算机数字绘图的艺术家。直到90年代中期，她一直致力于对“形式家族”进行系统性探索，展示着它们的突变，同时往往将迭代和连续性（序列性）作为优先考虑。

通过对空间和作品关系的反复测试，精选出艺术家在过去35年间所创作的60余幅代表作，构成相互关联又各自独立的四个单元，分别为：“回望早期”、“不同路径”、“有如冥想”和“超大尺幅”，囊括了曾梵志的早期习作，其集中创作于上世纪90年代的“面具”系列，2000年开始创作的“抽象风景”系列，以及贯穿艺术家创作生涯的“静物”与“肖像”实践，力求带给观众四种不同的观看体验。

策展人尚辉认为，如展览名称“远景与近景”所传递的那样，画家在室外风景写生，与室内人像写生之间，展开了以两种视觉关系的虚实转化为核心的艺术实践——远眺风景，近观人物，画家却选择以模糊二者边界的方式挑战虚与实，抽象与具象的边界，展现出艺术家对于艺术语言的驾驭功力与某种基于观看的“哲学”。

认为艺术史经典正在扩大已经成为一种陈词滥调——对于过去五年中参观过博物馆的人来说，很多事情都是显而易见的。但它能增长多少？这个问题的答案仍然未知，2023 年一系列未被认可的艺术家的展览表明，我们根本不知道限制。当然，这是一件好事。