多元身份下的创作与眺望

手袋如画布，承载着想象力与创造力的多元美学。DIOR于2016年发起的“DIOR LADY ART”艺术家合作系列，为历经二十多年积淀的LADY DIOR手袋带来了全新诠释。值得一提的是，在创作媒介的有限间，无论是绘画、雕塑，或是多媒体艺术家都倾注了不同以往的无限创造力，诠释出一件件独特的艺术品。这一艺术家合作系列不仅展示了由创新与美学所驱动的精湛工艺，也是DIOR在工艺与现代观念之间，以艺术为桥梁所构筑的前瞻性视野。

本次“DIOR LADY ART #8”艺术家限量合作系列跨越三大洲邀请了12组艺术家，包括中国当代艺术标志性人物徐震，透纳奖得主英国双子星Gilbert&George，马赛尔· 杜尚奖获得者罗马尼亚艺术家Mircea Cantor，时任韩国前卫协会主席及首尔市立美术馆馆长的艺术家Ha Chong-Hyun，索贝艺术奖得主Zadie Xa等等。他们基于各自独特的创作宇宙共同诠释了LADY DIOR手袋这一迷人的设计符号。

其中，美国艺术家Jeffrey Gibson与英国艺术家Michaela Yearwood-Dan不约而同地使用了串珠刺绣，并通过个人镜头给予艺术创作想象力。这些作品中凝结着Jeffrey Gibson身为美洲原住民的孜孜探寻，以及Michaela Yearwood-Da对各类身份标签的不断颠覆，而围绕两位多元身份艺术家的篇章也从此处徐徐展开。

拥有着乔克托及切罗基原住民血统的Jeffrey Gibson成长于一个军人家庭，由于父亲工作的缘故而时常搬家，在科罗拉多、新泽西、西德和韩国度过了一段不属于特定本土文化的时光。这一游牧式经历，使得Gibson自儿时起便理解身为一个外国人是什么感觉，他意识到自己处于一种局外人的状况中：“在这些时刻，你不一定总是知道你看到的是什么，也不一定总是能听懂别人说的话。”

当回味过往，提及记忆犹新的部分时，Gibson谈到了韩国，他依稀记得在1986 年搬到了那里，彼时美国经济还未渗透到韩国，在远离军事基地的地方，生活环境仍以韩国文化为主导，充满热情与惊喜。而到了1988年奥运会筹备期间，一切变得愈加符合西方审美品味。Gibson意识到这是“一种文化为了另一种文化的舒适而作出妥协”，也使得他注意到自己身处“在另一种背景下的身份和期望”。

*参与本次“DIOR LADY ART #8”的艺术家Jeffrey Gibson

成年后在Gibson任职芝加哥菲尔德博物馆期间，他开始与多个土著团体合作推行关于美国原住民墓区保护和归还方面的法案，2005年他获得了Creative Capital基金前往其俄克拉荷马州的故土。5年后，他又获得了Art Matters Foundations及Harpo Foundation资助，到访俄勒冈州及南达科他州与本地原住民艺术家结识并观察其手工艺和文化。通过一系列与原住民文化的紧密连接，Gibson从众多不同的部落和特定艺术家的美学历史中获取灵感，他拥抱细微的日常行为，这些行为随着时间的推移构筑了社区，他也逐渐追溯回其久违的社区感与身份认同。

除其原住美学及身份认知之外， Gibson也意识到自己的创作视角受到了生活中琐碎经历的影响，包括政治对话，少数人群文化，或是俱乐部文化。其中俱乐部文化对Gibson的少数人群身份及其艺术美学有着至关重要的影响，当谈到印象深刻的俱乐部体验时，他讲述了两段故事：“中学时期我在华盛顿常去一家叫Tracks的俱乐部，彼时那里年长的人对我们非常友好。直到长大我才清楚，那时他们失去了整个群体，其他人或即将死去，或苦苦挣扎。我开始查看当时播放的音乐歌词，其中涉及很多期待获取帮助及力量的恳求。那是我生命中一段非常有影响力的时光。搬到芝加哥后，我又常光顾一家叫Red Dog的俱乐部，并在隔壁的餐馆打工。俱乐部大多播放着芝加哥浩室音乐，我记得有一天晚上还有福音歌手进行现场表演。那儿的人群多样性甚至超过华盛顿的俱乐部，那是一段非常开放与接纳的时期。”

*Jeffrey Gibson用于创作“DIOR LADY ART #8”合作款手袋的工作室

曾被授予第58届威尼斯双年展终身成就金狮奖的Jimmie Durham曾在评论文章中将Gibson比作爵士音乐大师Miles Davis，这一恰如其分的赞美代表着爵士乐“不规则”特性与少数族裔艺术家经历的相似性。正如Durham所注视到一样，俱乐部文化中音乐美学的特定性刷新了Gibson日后的创作思考，他关注到俱乐部演出的DJ在播放唱片时进行手动过渡与选择歌曲片段，通过这一方式与人群构成互动，并产生一种不可思议的、可触及的叙事方式。而当电子乐诞生时，Gibson意识到关于节拍的一切都在改变，快速的节奏，如同机器一般。在他的作画过程中开始思考“那种能够衡量事物或绘制单一颜色的简洁性”，他说道：“我依然从一切都要动手操作的方式来思考。我在绘画时非常依赖数字渲染，所以我会来回切换，创作帆布流体画、用手涂抹颜料、将颜料四处移动、给画作拍照、导入Photoshop，然后通过数字形式来修改，以决定下一步怎么做。”

Gibson将自己描述为生活中的“游客”，在他看来不理解所看到的事物有着很大的益处：即当他开始理解时会经历一段过渡期，然后又倏然地很难将其归类到某个事物中，也得以滋养出能够给予其创作灵感的可能性。

Gibson丰富的、近乎蒸汽般的抽象作品，拥抱着一种焦灼氛围在画中“溢出”，比如在2005年的《无意识的潜能》(Unconscious Potencies)中，他将有色硅树脂与油画颜料相混合。其中的景观被描述为“进入乌托邦状态的叙事，而乌托邦状态将不可避免地导致腐败和崩溃”。而对于作为美国原住民以及完全在西方消费文化中成长的Gibson，乌托邦是一个极为重要的意象，他希望通过绘画和标本采集来“扮演”探险家的角色。描绘诱人的风景，也成为了他在面向原住民部落被持续描述为怀旧和浪漫的前殖民地原住民生活的无声抗议。

从2011年开始Gibson暂停了绘画创作，他开始使用原住民帕瓦仪式巡游上的摊贩那里能买到的材料，比如珠子、流苏、羽毛和不同类型的纺织品，并创作出了更具雕塑感的作品，购买这些材料的人是要制作在仪式上跳舞穿的礼服，因此活动的理念变得重要，个人处于更大的集体理念也变得非常重要，Gibson开始步入视频创作的阶段。他思考人们的身体如何在空间中活动：女人的活动方式是否有别于男人？原住民的活动方式是否有别于有着其他文化根脉的人？他通过观察世界学会了不同的活动方式，这不仅包括其传统和种族，还包括安全问题、身高、抑或是他人对原住民的解读。Gibson的目标是意图让身体摆脱这些方面的担忧，即“如果真正地实现了身体依靠直觉自主活动，将会是什么样？”一种“行动感”和“肢体感”成为了Gibson创作的主旋律，无论是早期绘画，或是后期雕塑及多元实践，其美学均来自于易洛魁人的奇思妙想、当代和历史上的帕瓦仪式、非西方文化的文化装饰、俱乐部文化以及早期的乌托邦模式。

DIOR LADY ART #8” 艺术家限量合作系列

Jeffery Gibson 合作款手袋

Gibson的作品能使人联想到Jenny Holzer以文字为基础的雕塑，或是行为艺术家Nick Cave的狂野装饰和过度。相应的，他并没有特意创作图像，而着眼于构成图像的元素，强化了其作品中工艺至上的观念。在这种状态下，他的艺术作品得以成为观众所感知到的文字、物体、或任何事物。他创造了 “纯粹潜在的元素”，并将其凝固在瞬间。“时间在此停止，空间占据主导地位”，安迪·沃霍尔谈到Studio 54时说道。同样地，在以原住民为中心、因想象力解放的本土未来主义中，时间成为了一个流动的概念，“现在是现在，但过去是现在，未来也是现在”。

“我绝对是非洲未来主义的粉丝，因为它提出的建议不只是针对非洲美国人，而是面向整个世界。”Gibson说道，“它的内容更多的是关于让一个人创造一个世界，当你看到那些被殖民过、被污蔑过、被清除过的群体，就会明白，这种创造新世界的力量可能不会出现，因为人们还在担忧生存问题。”Gibson的创作正跨越了既定的历史时间线，转移了真实性的概念到物质文化与特定文化的相应关联间，对于Gibson而言，并非重现部落的技术、图案或工艺，而是引导人们在仪式工艺过程中获得治愈的体验。

在过去二十多年中，Jeffrey Gibson从创作抒情抽象的丙烯风景画，到使用串珠与雕刻颜料元素，直至眼花缭乱的多变艺术实践，对于他来说其创作进程源于时尚、性别和种族等领域的相互交融。在这一过程中，他领会到自己的创作被一种批判性与理论性的视野所感知，这种视野不仅通过文化主导下的观点继而容纳惯性的诠释。同时，也将其创作表达定位在“艺术”与“工艺技法”之间，置于造型完整性与材料多样性的坡面之间。

在Gibson位于洛杉矶合作画廊Roberts Projects的牵线下，他参与了“DIOR LADY ART #8”艺术家限量合作系列项目。首款合作手袋的构想中，Gibson起初希望制作一些精致的珠饰，看起来就像是专门从原住民美学历史中提取出来的一样。在合作过程中他们对这个想法稍作调整，决定以原住民的装饰图案为蓝本，采取了多种不同的技法加以呈现，例如将串珠层次改造为凸起、扭转的多层次的珠子，呈现出极为美妙且依然保持几何形状的图案。这一立体而鲜活的创作表达，源于Gibson对于时尚领域的持续关注，著名的表演艺术家、俱乐部小子Leigh Bowery对其影响颇深，而Bowery也是英国画家卢西安·弗洛伊德的重要模特与缪斯。“身材魁梧，高个子，穿着裙子、戴着头盔进行表演。这让我大开眼界，为我打开了精神世界的很多扇大门”。

而第二款手袋则以一张面孔为灵感，这一面部图案出自画作《星星是我们的祖先》（THE STARS ARE OUR ANCESTORS，2002），编织于手袋的一侧，修改了比例，其中部分为数码印刷。另一侧则写着“我可以做任何我选择的事情（I can do whatever I choose）”，Gibson采用的图像表述文字的形式，并非“说教”或“必然的指责”。他将作品的意义完全敞开，让观者真实走进，思索文字的含义，与其共鸣。在Gibson看来这句话宣告着自我主张：“我相信不只是身份认同为女性的人会使用这款手袋……这句话既是一种充满爱意的支持，又在历史上具有政治影响。”

DIOR LADY ART #8” 艺术家限量合作系列

Jeffery Gibson 合作款手袋

“在美术的等级里，也许一个手袋不像其他物品那样看起来像艺术品，但是我觉得在我们现在所处的这个时代，一切都在跨界。”这一合作体现了艺术的惊人力量之一——它可以引起共鸣并激发人们重新审视自己不曾关注的世界，在工艺与串珠间承载着多层次的文化价值，而对于跨领域的关注持续发生在Gibson生活中，正如他所说的：“如果我无视音乐、时尚、舞蹈、热门视频和电影领域发生的那些令人惊喜的事情，就无异于戴上眼罩，与世隔绝。”

DIOR一直致力于促进多元文化与艺术工艺的联合，在这次合作中Gibson了解到品牌与印度Chanakya工坊合作，这一工坊为当地女性传授刺绣工艺，在此之前，她们被告知仅男性才能从事刺绣工作。“先帮助一种文化保持自己的传统，然后再提供支持，我认为这样做很有必要。”Gibson说道，“在我的部落，密西西比乔克托族和切罗基族，没有人希望被告知该怎么做。我们想要指定自己的方案，通过自己的决定，找到自己的自由感、自己的自主权。当得知DIOR同样拥有这些价值观，对于这次合作经历绝对是锦上添花。”

即将代表美国参加2024年威尼斯双年展的Jeffrey Gibson已迈入了更为主流的艺术平台，他的作品涉及传统、现代性、文化特殊性和当代物质文化的波动，成为了一种回味无穷的自我决定的表征与审美主权的宣告，在日益多元的时代背景下，叙述的走向或正如Gibson所说，“所有人都同样复杂，可能便是如今我们共存的方式”。

1994年，Michaela Yearwood-Dan出生于伦敦南部，22岁时，她从布莱顿大学的绘画专业毕业，自此开始了艺术创作的生涯。饱满而高调的色彩，时而厚重时而淅沥的质感，让Michaela的绘画和拼贴作品充满了活力和物质性。画面上自由无束的笔触、葱郁生动的植物图形，暗示着她从各种文化和个人经历中汲取的灵感：黑人的喜悦和痛苦、酷儿解放、英国天主教教育、嘉年华文化等。

这位多面的艺术家，通过解读过往重新细述当下，以绘画为媒介讲述着引人入胜的故事。在这次与迪奥的合作中，她又将笔下那些充满力量又细致入微的世界，呈现于独一无二的 “DIOR LADY ART #8 ”艺术家限量合作系列手袋之中。

去年，她为一家名为Queercircle的英国创意中心兼慈善机构创作了一件大型艺术装置作品《Let Me Hold You》。这件宽阔的弧形壁画占据了 Queercircle半个空间的墙面，在此之上，Michaela用温暖的鹅黄色铺陈底色，并从温暖的笔触中赋予各类色块鲜活的生命力，抽象化的植物和动物图案在墙面上跃然起舞，仿佛大自然正张开怀抱。Michaela所设计的LADY DIOR手袋，正是延续了艺术家在日常创作中利用物质的偏好，她选取各式织物和串珠进行重新组合，以三维立体的方式，将作品《Let Me Hold You》表达的绚丽自然世界置于其中。

Michaela Yearwood-Dan 于其个人工作室

为“DIOR LADY ART #8” 进行创作

除了绘画，刺绣和陶瓷同样是Michaela长期以来乐于探索的工艺形式。对她而言，刺绣是一种极富女性气质的技艺和元素，具有“女性作品”的特质，令她喜爱有加。于是在这次的合作中，手袋上的臻美刺绣不仅呈现出艺术家绘画中所采用的装饰材料打造的视觉效果，更是在DIOR工坊工匠的精湛匠艺加持下，焕发出卓越的工艺美学。

在Michaela的许多作品之上，都可以发现其精心点缀的陶瓷元素。艺术家今年4月发布的新作 —— 壁画作品《At The Request of A Dreamer》上的小型陶瓷片饰，就与她独特的绘画语言相互辉映，交织成章。灵感来自这些绘画中陶瓷元素的金属花瓣缀饰，亦在本次合作的一款 “DIOR LADY ART #8 ”艺术家限量合作系列手袋上大放异彩。此外，手袋身上标志性的“D.I.O.R“字母吊饰也经过艺术家的换新演绎，或着染深黑色，或装饰以叶片，打造成独一无二的佳作。

Michaela的父亲是一名教师，也是一位训练有素的木工，他钟情于雕刻木头，但在Michaela的印象里，即使到今天，父亲也不会承认他的木雕是艺术，更不会认为自己是艺术家。而她的母亲则非常喜爱和擅长种植，母亲在家里栽种了80多种植物，并且总是喜欢粉刷、装点房子。在Michaela看来，何为“优秀的艺术”本身就是一个有趣且微妙的论题：家人日常生活中的创作情趣难道不是艺术吗？她的审美和创造能力，在无形之中被父母的兴趣喜好引导着，塑造着。

“DIOR LADY ART #8” 艺术家限量合作系列，

Michaela Yearwood-Dan 合作款手袋

大概在10年前，Michaela发现了自己探索抽象艺术的兴趣。“当我第一次在绘画中使用抽象、色彩和肌理时，那种感觉就像一种巨大的情感宣泄。” Michaela选择远离具象的创作形式，是她最为满意的一个决定，也使她在后期的创作中能更加真诚地表达自己。“这让我的观众们能够看到我的脆弱了。” 她坦言。

这样的“脆弱”，对于一名年轻的非裔女性，首先来源于在学校里学习的内容与自己身份认同的格格不入。在她的艺术教育过程中，始她终无法清晰地参与到有关种族的对话中，在他们的思维里，除了形象化的的表达之外，便很难再去难理解种族话题。虽然教育环境相对固化，但好在课程安排还不算严苛，这让她养成了独立学习、独立思考的习惯，在一次次自我意识的重构下，她选择了向抽象艺术靠拢。

其后，“脆弱”也暗藏在她作为一名艺术家，必须为一个广泛的群体发言的使命中 —— 她是一名女性，一个黑人，一个酷儿 —— 但在摆脱具象创作的同时，她也把自己从黑人形象持续商品化的象征性背景中解放了出来。在Michaela的作品中，她没有展示自己的身体和肤色，没有展示象征性背景下的女性，没有展示空间、场景和风景，尽管她努力地表达着关于自己身份的感受，但这些主题都没有以任何直接的方式出现。她总结到，“无论是否广而告之，不管我是怎样创作，都只是遵从了本心”。

于是，观众在作品中看到的是一片由植物花卉图案构筑的抽象的、田园式的栖息地。这个幻想世界通常由明亮的黄色、粉色组成底色肌理，就像回旋曲的旋律，一切遵循着非现实的浪漫逻辑，其中还混杂泛着涟漪的蓝色、毛毯的棕色、发芽的绿色以及深邃的黑色，这些斑斓颜色构成的植物族群唤起播种、繁殖和成长的过程，暗示着分

散在各地的人们之间亲密而无限的可能性。

Michaela关于过往回忆、成长经历，甚至是她作为一名黑人酷儿女权主义者与社会、政治的关联，通过这些偏离“常规”的抽象创作，以一种隐喻性的方式表达了出来。

Michaela强烈的情感力量，除了从那无拘无束的色彩和图案中释放，也通过作品中的文本尽数展现。这些文本通常不是最清晰、最优美的散文，而是引用她自己的诗歌、俗语、歌词或者流行文化语汇，它们并不一定与作品本身相关联，就像一种语言游戏，宣告着艺术家非精英或非传统的艺术形式。

“我不确定我眼中的幽默是否能引起所有人的共鸣，但我有些时候确实喜欢使用风趣、巧妙的文本。” 就像Michaela认为父母的兴趣爱好同样是艺术，她认为自己生长的环境并不像传统那样推崇精英主义，“我们更能欣赏和理解通俗的民间风格，无论是在音乐和媒体等公共交流中，还是我们接触到的其他方面”。

“DIOR LADY ART #8” 艺术家限量合作系列，

Michaela Yearwood-Dan 合作款手袋

2021年，在全球疫情时期，Michaela有了很多时间与自己相处，她重新看了整部《欲望都市》，其中的人气角色（总是对两性关系提出尖锐问题的凯莉·布拉德肖）给了她灵感，于是她在作品《The only way is up》中问道：“Where do we go from here ？”（我们将何去何从？）这件作品的命名也参考了由歌手Yazz演唱的电视真人秀《埃塞克斯是唯一的生活方式》（The Only Way is Essex）的主题曲。

在同年的作品《Beyond the veil of the mythical super woman》中，黄色和红色的花卉围绕在画面的中央，仿佛是守护着黑暗中的一汪碧水，红色的“I still break”（我仍是破碎的）从一抹灰色中跳脱而出。作品《Don’t forget it》同样展示了艺术家通过厚涂和强烈明暗对比实现的艺术张力，深邃的黑色底色上，两个类似棕榈树的图形支撑着上方的文字：“The colour of my soul is Black and my heart radiates in iridescent splendor（我的灵魂是黑色的，我的心散发着彩虹版的光辉）”。

今年4月，Michaela在纽约的玛丽安·博斯基画廊（Marianne Boesky Gallery）开展了她的第二次个人展览，展览名《Some Future Time Will Think of Us》灵感来自希腊女诗人莎芙的诗歌。除了展出Michaela标志性的绘画作品和陶瓷新作，她还来专程来到纽约，花费数星期的时间，在画廊里为个展专门创作了一幅大型壁画作品《At The Request of A Dreamer》。

通过这件作品，Michaela重现了自己标志性的眩目色彩和抽象图形，巨大的画作意在带领观众沉浸式地体验她小时候置身天主教堂的回忆，或者说梦境。与作品名相呼应的，是艺术家在壁画的转角处，饶有趣味地写下的那一句“I don’t think about dreaming anymore（我不再想要做梦）”。“我想打造一种凄清，但同时安静、温和的氛围，让观众有一种身处充满彩色玻璃窗的天主教堂，独自坐在的长椅上的感受”。

于她而言，童年回忆里的天主教堂虽然意图让信仰者们都栖息于此，但这样的空间其实并不是真正意义上的欢迎所有人。而她的作品却希望让所有的观众都感觉到愉悦，Michaela创造的艺术世界是极具包容性的，在这里，没有人有义务去扮演他人，去做自己不想做的事，人们只需放松、休息即可。

Michaela的作品既富有个人色彩，也映射着社会和政治。她使用的颜色常有象征性的含义，比如橙色、粉色、紫色和蓝色意在呼应酷儿群体的旗帜，而她最近画作中出现的陶瓷康乃馨和三色堇花瓣点状装饰，也潜藏着对少数群体历史的暗示。Michaela是一位活跃于社交媒体的艺术家，她的新作往往在第一时间便在instagram上与全球粉丝分享，“就我来说，社交媒体让那些与我互动的观众有机会触及我个性的碎片，帮助他们与我的作品建立更紧密的联系”。

“DIOR LADY ART #8” 艺术家限量合作系列，

Michaela Yearwood-Dan 合作款手袋

在过去的三年里，因为疫情的影响，Michaela缩减了创作量，但也是在这个时期，陶瓷成为了她可以享受的新的情感出口，也捕捉到她许多内省的时刻，“使用陶瓷最关键的是，我可以在私密的环境里创作，并在创作过程中细腻感知自己的内心，这是绘画不能赋予我的体验”。

在制作中，她常常被陶瓷本身的物质性所震撼。与二维的绘画作品不同，陶瓷是三维立体的，因此在制作器皿时，其不同的表面总是随着机器的转动不停地呈现在眼前，带给她不同的惊喜。在制作方式上，做陶瓷器物简单地长时间连续划线，仿佛创造出一种新的能量，使得她能够将这种能量带回绘画之中。

不管是绘画、拼贴，还是陶瓷、刺绣，多种媒介形式无疑扩宽着Michaela独特的艺术语汇。在数年的创作过程中，这位年轻的艺术家不断攫取着物质带来的美感，从更深层的作品内涵维度，也从未停下思考自己想通过艺术述说的究竟是什么。她不希望审视自己的肤色和身体，也不想让性别成为束缚她的桎梏，相反，她会磨练自己的头脑，会释放自己的幽默，也会酝酿自己的情感，只待那强烈而真实的力量，从无尽的色彩中喷涌而出。她说，“我的存在是为了真实地生活和制作真实的艺术”。

文章来源： NYLON尼龙